lunes, 19 de agosto de 2013
ULTIMAS NOTICIAS DEL ROCK
Portada Alternativa Del Nuevo Disco De KATAKLYSM
Los canadienses KATAKLYSM acaban de revelar el arte de la portada alternativa de su nuevo álbum, "Waiting For The End To Come". La portada es obra de Eliran Kantor (TESTAMENT, HATEBREED) y será presentada en el digipack de lujo y versiones LP de su nuevo disco, que será lanzado el próximo 29 de octubre en América del Norte, a través de Nuclear Blast.
Recordemos que hace unos días la banda lanzó un teaser del álbum en el que podíamos ver la portada oficial del álbum, obra de Peter Salai (SABATON) que estará presente en la edición normal del disco y en la limitada tirada de cassettes.
"Esta otra versión de la nueva portada, obra de Eliran Kanto, tiene una ambientación más icónica y épica", comenta el vocalista Maurizio Iacono. "Un hombre, que representa a toda la humanidad, cuestiona el fundamento de la existencia y, finalmente, inicia el proceso de destrucción. El fundamento principal está aquí descrito en el "famoso logotipo tribal de Kataklysm". No representa el fin de Kataklysm, pero sí un inicio de una nueva era tras el final de una existencia".
"Waiting for the end to Come" ha sido producido por el guitarrista Jean-François Degenais, y está siendo mezclado por el productor Chris "Zeuss" Harris (SUFFOCATION, HATEBREED, SOULFLY
"Esta otra versión de la nueva portada, obra de Eliran Kanto, tiene una ambientación más icónica y épica", comenta el vocalista Maurizio Iacono. "Un hombre, que representa a toda la humanidad, cuestiona el fundamento de la existencia y, finalmente, inicia el proceso de destrucción. El fundamento principal está aquí descrito en el "famoso logotipo tribal de Kataklysm". No representa el fin de Kataklysm, pero sí un inicio de una nueva era tras el final de una existencia".
"Waiting for the end to Come" ha sido producido por el guitarrista Jean-François Degenais, y está siendo mezclado por el productor Chris "Zeuss" Harris (SUFFOCATION, HATEBREED, SOULFLY
Primera Confirmaciones Para Leyendas Del Rock 2014
Apenas terminada la edición 2013 del Festival Leyendas del Rock, la organización anuncia las primeras confirmaciones para su próxima edición. Cuatro bandas internacionales y otras cuatro nacionales comienzan a dar forma a la próxima edición de un festival que va creciendo año tras año. Así W.A.S.P. y ARCH ENEMY comienzan a encabezar el cartel junto a WINTERSUN y MAMBO KURT. Por el lado de las bandas nacionales, los madrileños WILD y ASFALTIKA se suman al cartel junto a los tinerfeños ESCLAVITUD y los barceloneses RAVENBLOOD.
La IX edición del Leyendas del Rock se celebrará los días 7, 8 y 9 de agosto de 2014 en el Polideportivo Municipal de Villena, tras el acuerdo anunciado hace meses entre la empresa organizadora, Sufriendo & Gozando y el Ayuntamiento de la localidad alicantina, para la celebración de este en Villena, hasta 2015.
La IX edición del Leyendas del Rock se celebrará los días 7, 8 y 9 de agosto de 2014 en el Polideportivo Municipal de Villena, tras el acuerdo anunciado hace meses entre la empresa organizadora, Sufriendo & Gozando y el Ayuntamiento de la localidad alicantina, para la celebración de este en Villena, hasta 2015.
Conciertos De Heavy Metal
DEEP PURPLE
HOYOS DEL ESPINO,AVILA (ESPAÑA)
En una época en la que por culpa de la crisis muchas bandas internacionales se pasan España de largo a la hora de progamar sus giras, era inevitable ir al único concierto de DEEP PURPLE con su reciente "Now What?" en nuestro territorio. Para ello eligieron un bonito y elegante festival, "Músicos en la Naturaleza" que ha visto pasar a gente como BOB DYLAN, MARK KNOPFLER, STING o THE BEACH BOYS, en plena sierra de Gredos.
Acompañando a los británicos, el barcelonés LOQUILLO, siempre roquero y elegante, ahora en solitario pero con un gran elenco de músicos encabezado por los geniales Jaime Stinus e Igor Paskual. Y completando el cartel y abriendo la velada, BEBE, una artista que a priori no parecía entonar musicalmente en el cartel, algo que pudo quedar más que latente.
Mucha gente aprovechó este impás hasta la aparición de LOQUILLO para tomar un refrigerio y sentirse en plena naturaleza en un paraje natural protegido, que abría los brazos a sus visitantes con un bonito, pero algo fresco anochecer (la sierra de Gredos es lo que tiene...).
Acompañando a los británicos, el barcelonés LOQUILLO, siempre roquero y elegante, ahora en solitario pero con un gran elenco de músicos encabezado por los geniales Jaime Stinus e Igor Paskual. Y completando el cartel y abriendo la velada, BEBE, una artista que a priori no parecía entonar musicalmente en el cartel, algo que pudo quedar más que latente.
Mucha gente aprovechó este impás hasta la aparición de LOQUILLO para tomar un refrigerio y sentirse en plena naturaleza en un paraje natural protegido, que abría los brazos a sus visitantes con un bonito, pero algo fresco anochecer (la sierra de Gredos es lo que tiene...).
Hablar de la elegancia de LOQUILLO es hablar de un señor que sabe comerse el escenario nada más pisarlo, de un señor que controla todos los tiempos y que no es más que el motor central de una máquina perfectamente engrasada. Patada y pie de micro al alto, "Rock n` Roll actitud" abría una actuación perfectamente preparada.
La primera parte, LOCO y los suyos la dedicaron a calentar al público con cortes más recientes como "Planeta Rock" de su última obra. El sonido fue un poco pobre al principio, y las guitarras quedaban un poco en segundo plano (a pesar de haber tres) aunque eso se superó a medida que el concierto ganaba en intensidad.
Sabiendo que tenía que estar a la altura de DEEP PURPLE y no desmerecer, la segunda parte fua toda una bomba de clásicos que comenzó con "El rompeolas" para seguir con canciones como "Carne para linda", la incombustible "Feo, fuerte y formal", "La mataré", o "Ritmo del garaje". Para esta última, pidió la presencia de BEBE en el escenario para ayudarle a cantarla, aunque a tenor de algunas opiniones (incluida la de un servidor), estropeó una pieza que tenemos muy metida en la cabeza. Para finalizar la actuación, "Cadillac Solitario" dejó al público con ganas de más y perfectamente entregado y a la espera de que los británicos irrumpieran sobre el escenario
La primera parte, LOCO y los suyos la dedicaron a calentar al público con cortes más recientes como "Planeta Rock" de su última obra. El sonido fue un poco pobre al principio, y las guitarras quedaban un poco en segundo plano (a pesar de haber tres) aunque eso se superó a medida que el concierto ganaba en intensidad.
Sabiendo que tenía que estar a la altura de DEEP PURPLE y no desmerecer, la segunda parte fua toda una bomba de clásicos que comenzó con "El rompeolas" para seguir con canciones como "Carne para linda", la incombustible "Feo, fuerte y formal", "La mataré", o "Ritmo del garaje". Para esta última, pidió la presencia de BEBE en el escenario para ayudarle a cantarla, aunque a tenor de algunas opiniones (incluida la de un servidor), estropeó una pieza que tenemos muy metida en la cabeza. Para finalizar la actuación, "Cadillac Solitario" dejó al público con ganas de más y perfectamente entregado y a la espera de que los británicos irrumpieran sobre el escenario
Sin embargo algunos problemas técnicos (creo que con la mesa de monitores) retrasaron la salida de Ian Gillan y compañía casi 45 minutos más allá de lo previsto. Eso, acompañado del frío que ya irrumpía sin disimulo, enfrió un poco el ambiente. Sin embargo la clásica y sorprendente "Fireball" con que salieron a escena, hizo olvidar toda la espera.
DEEP PURPLE son una auténtica leyenda, pero más allá del nombre, son una banda que no se cansa de crear y de mirar hacia adelante. Es cierto que mucha gente fue a ver a los creadores de clásicos como el "Smoke on the wather" y el "Black Night", pero más allá de eso, muchas de las 8.500 personas que allí nos congregamos, queríamos ver también qué tal sonaría su reciente "Now What?" sobre el escenario.
Temas que tienen más de 40 años como "Into the fire" se mezclaban con otros de su último disco como su último single "Vincent Price". 40 años de diferencia que se notan, pero que la banda intenta unir en directo. Y es que aunque los referentes originales de la banda sean Ian Gillan, Ian Paice y Roger Glover, la entrada de Steve Morse (hace ya 20 años) en la guitarra y e Don Airey con su dura tarea de reemplazar al gran Jon Lord ha dado algo de vitalidad al grupo, pese a contar con sus 60 años de edad...
DEEP PURPLE son una auténtica leyenda, pero más allá del nombre, son una banda que no se cansa de crear y de mirar hacia adelante. Es cierto que mucha gente fue a ver a los creadores de clásicos como el "Smoke on the wather" y el "Black Night", pero más allá de eso, muchas de las 8.500 personas que allí nos congregamos, queríamos ver también qué tal sonaría su reciente "Now What?" sobre el escenario.
Temas que tienen más de 40 años como "Into the fire" se mezclaban con otros de su último disco como su último single "Vincent Price". 40 años de diferencia que se notan, pero que la banda intenta unir en directo. Y es que aunque los referentes originales de la banda sean Ian Gillan, Ian Paice y Roger Glover, la entrada de Steve Morse (hace ya 20 años) en la guitarra y e Don Airey con su dura tarea de reemplazar al gran Jon Lord ha dado algo de vitalidad al grupo, pese a contar con sus 60 años de edad...
El sonido, sino impecable, rozó un altísimo nivel, y los músicos hicieron una gran labor. Si bien es cierto, que Ian Gillan no es el que era hace 30 años, y sus pulmones necesitan más descanso, resintiendo la voz en algunas partes finales exigentes, como en la clásica "Space Truckin`". Debido a esto, los más "jóvenes" Steve Morse y Don Airey se enfrascaban en eternos solos, alargando más aún los originales y haciendo un poco tediosas algunas canciones que más rozaban el progresivo e incluso el free jazz que el rock y hard rock que la noche pedía.
El set list, sin embargo, es el que vienen haciendo en la gira y el que parece funcionarles, intercalando grandes y esperados clásicos como "Strange Kind of Woman", "Perfect Strangers" o "No One Came" con las más recientes "All the time n the World", la bien acogida "Hell to pay" o la evolucionada "Above and Beyond", todas de su último trabajo que, no olvidemos es el que están presentando.
Por supuesto, la cosa no podía acabar sin "Smoke on the Water" y es que la banda sabe que mucha gente se acerca básicamente para poder contar y sentir que está viendo una leyenda interpretando uno de los clásicos más escuchados y reproducidos de la historia.
El set list, sin embargo, es el que vienen haciendo en la gira y el que parece funcionarles, intercalando grandes y esperados clásicos como "Strange Kind of Woman", "Perfect Strangers" o "No One Came" con las más recientes "All the time n the World", la bien acogida "Hell to pay" o la evolucionada "Above and Beyond", todas de su último trabajo que, no olvidemos es el que están presentando.
Por supuesto, la cosa no podía acabar sin "Smoke on the Water" y es que la banda sabe que mucha gente se acerca básicamente para poder contar y sentir que está viendo una leyenda interpretando uno de los clásicos más escuchados y reproducidos de la historia.
Casi hora y media hora de concierto y la gente con ganas de más, solicitó la presencia de DEEP PURPLE de nuevo en el escenario. Para los bises, el grupo nos deleitó con "Green Onions" y "Hush", con la que demostraron que a la gente le gustan los temas más melódicos y coreables y para cerrar, cómo no, "Black Night" una gran guinda para un pastel que agradó a los amantes de la música, y seguro se hizo algo largo y tedioso a los seguidores de los clásicos DEEP PURPLE que esperaban un concierto posiblemente algo más animado.
Por supuesto se echaron en falta clásicos como el "Highway Star" o "Child In Time", una canción que la banda retiró del repertorio hace años, seguramente debido a las exigencias vocales que conlleva.
En cualquier caso, un nuevo año, la organización llevó a cabo una nueva velada de rock, en este caso con toda una leyenda en un paraje impresionante, una perfecta comunión de música y naturaleza que esperamos dure por muchos años.
Por supuesto se echaron en falta clásicos como el "Highway Star" o "Child In Time", una canción que la banda retiró del repertorio hace años, seguramente debido a las exigencias vocales que conlleva.
En cualquier caso, un nuevo año, la organización llevó a cabo una nueva velada de rock, en este caso con toda una leyenda en un paraje impresionante, una perfecta comunión de música y naturaleza que esperamos dure por muchos años.
Set list DEEP PURPLE:
- Fireball
- Into the Fire
- Hard Lovin' Man
- Vincent Price
- Strange Kind of Woman
- Contact Lost
- Solo guitarra (Steve Morse)
- All the Time in the World
- The Well-Dressed Guitar
- Hell to Pay
- Lazy
- Above and Beyond
- No One Came
- Solo teclado (Don Airey)
- Perfect Strangers
- Space Truckin'
- Smoke on the Water
Encore:
- Green Onions (Booker T. & The MG's cover)
- Hush (Billy Joe Royal cover)
- Black Night
- Fireball
- Into the Fire
- Hard Lovin' Man
- Vincent Price
- Strange Kind of Woman
- Contact Lost
- Solo guitarra (Steve Morse)
- All the Time in the World
- The Well-Dressed Guitar
- Hell to Pay
- Lazy
- Above and Beyond
- No One Came
- Solo teclado (Don Airey)
- Perfect Strangers
- Space Truckin'
- Smoke on the Water
Encore:
- Green Onions (Booker T. & The MG's cover)
- Hush (Billy Joe Royal cover)
- Black Night
CADA DOS DIAS OTRO CONCIERTO MAS PARA LA LISTA lml
Sabias Que
Tom Araya dijo q uno de los momento mas importantes para él de Slayer fue cuando toco en Chile el 94 por que lo recibieron como a un héroe que llego de la guerra.
Kerry King (guitarrista de Slayer) toco en Megadeth
El vocalista y bajista de Primus, estuvo apunto de tocar en Metallica y no fue admitido por ser demasiado bueno!!!!!
En el memorial construido en recuerdo a Dimebag Darrel (Pantera), Eddie Van Halen donó y sepulto en aquel memorial una de sus guitarras favoritas.
Clasicos Del Metal lml
BACK IN BLACK
AC / DC
ATLANTIC/1980
El 14 de febrero de 1980, el Día de los enamorados, fue un gran día para los chicos de AC/DC. Ése mismo día se enteraron de que su último álbum, “Highway to hell” había vendido un millón de copias en América. Así que el éxito de su siguiente álbum, que sólo estaba en fase de creación, parecía un resultado asegurado.
El día anterior, 13 de febrero, Bon Scott acababa de meter su voz en el clásico “Ride on” para un single promocional de sus amigos franceses Trust mientras éstos grababan su nuevo disco “Repression” en Londres. A la postre ésta se convertiría en la última grabación de Bon y el primer disco que le dedicaban a su persona cuando salió al mercado.
Incluso una semana antes, el grupo al completo apareció por primera vez en un programa de la televisión española, el famoso “Aplauso”, interpretando, obviamente en playback tres temas: “Beating around the bush”, “Girls got rhythm” y su éxito “Highway to hell”. Al día siguiente el grupo haría una rueda de prensa para los medios españoles. Casualmente serían las últimas apariciones de Bon, tanto en un programa de televisión, como en una rueda de prensa.
Pero todo esto aún no se sabía, ni tan siquiera se podía imaginar.
La máquina AC/DC funcionaba a máxima velocidad.
Pero todo tiene un fin.
Y el de los australianos de adopción llegó el día 19 de febrero, cuando Bon fue encontrado muerto en el coche en que había pasado la noche enfrente de su casa, ahogado por su propio vómito. Un duro golpe para la banda.
Pero como muy bien dijo Angus Young, el pequeño de los hermanos: “Bon nos hubiera metido una patada en el culo su lo hubiéramos dejado”.
Así que tras incinerar el 29 de febrero el cuerpo de Bon e inhumar sus cenizas en 1 de marzo en el cementerio Fremantle Memorial Garden, cerca de Perth, la banda volvía a Londres. En sus cabezas sólo tenían una idea: “encontrar a otro cantante”.
Pero antes de que eso ocurriera, el grupo tuvo que asistir a innumerables audiciones en busca de su nuevo cantante.
Lógicamente la banda tenía sus preferencias. Desde Steve Marriott de Small Faces, hasta Angry Anderson de Rose Tattoo, un candidato a tener en cuenta, puesto que ya había tocado con Phil Rudd, batería de AC/DC en sus vieja banda Buster Brown. Además, junto a Jimmy Barnes, de Cold Chisel, ambos eran australianos y eso era un punto a su favor.
Las audiciones no dieron mucho resultado. El 90% de candidatos que llegaban a los estudios Vanilla en Londres quería interpretar “Smoke on the water”. Todos agarraban el micrófono y movían la pierna como David Coverdale.
Entre todos los candidatos, por eso, destacó un cantante algo atípico. Su nombre: Gary Pickford Hopkins, uno de los cantantes del proyecto de Rick Wakeman, “Journey to the centre of the earth”. A la banda le gustaba su voz, aunque le faltaba algo de aspereza.
Durante algún tiempo fue el candidato perfecto.
Pero enseguida saltaron otros rumores.
Stevie Wright, otro australiano que había cantando con Easybeats. Las revistas de la época se hicieron eco de la noticia. Pero nada llegó a buen puerto. Al final el 15 demarzo apareció en la prensa, en boca del portavoz de Albert’s que se había contactado con nueve candidatos más y que el grupo estaba en fase de selección.
Seguramente los problemas de Wright con las drogas fueron un problema para su elección.
De vuelta en Londres, tras su breve estancia en Australia intentando encontrar cantante, el grupo se reunió con Mutt Lange y Tony Platt, productor e ingeniero de su exitoso “Highway to hell”, para empezar los preparativos del nuevo disco, del cual la banda ya tenía algún riff, algún título y muchas ideas, y fue Mutt Lange, el ahora famoso productor, quién nombró por primera vez a Brian Johnson, el cantante de Geordie, grupo de Newcastle. Según Mutt, Brian era perfecto para el puesto. Desde 1972, cuando Brian tenía 25 años de edad, que decidió hacerse músico profesional con su banda USA, llamada después de su contrato con la compañía londinense Red Bus Records, Geordie, Brian había sido siempre el mayor punto focal del grupo, como muy bien dejaban claro las crónicas de sus conciertos de aquella época.
Hasta el propio Roger Daltrey de The Who, tras verles en su segunda aparición en el Top of the Pops inglés se acercó a los chicos y les comentó lo mucho que les habían gustado. E invitó al grupo para que usaran sus estudios.
Incluso Fang, la banda de Bon Scott antes de ser el famoso cantante de AC/DC teloneó a Geordie en dos conciertos.
Podría haberse echado todo a perder si Brian hubiera conseguido el puesto de cantante en Rainbow, justo después de la marcha de Ronnie James Dio del mismo, o hacer lo propio en Uriah Heep, pero eso no resultó.
Al final Brian viajó a Londres para una prueba para una banda que nadie le había dicho quienes eran. Tras unos momentos de confusión en un pub jugando al billar y bebiendo Newcastle Brown Ale, la banda se encerró en la sala de ensayos para comprobar cómo funcionaban las cosas.
Lo primero que sorprendió a la banda fue la no elección por parte de Brian de “Smoke on the water” a favor de “Nutbush city limits”, tema de Ike & Tina Turner. Más tarde sonaron también “Whole lotta Rosie” y algunas canciones de Chuck Berry.
Aunque en un principio la banda era reacia a hacerse con los servicios de Brian, al final resultó que realmente lo necesitaban.
Para su segunda audición, el 25 de marzo, Brian llegó dos horas tarde. La banda pensaba que no le interesaba su oferta. Poco sabían ellos que lo que realmente estaba haciendo Brian era ganarse la vida.
En aquella segunda sesión salió el tema “Given the dog a bone”.
Brian tuvo que volver a Newcastle, tenía conciertos confirmados con Geordie, Mark II y ese era su sustento de vida junto con su trabajo en la empresa Top Match, donde reparaba techos y parabrisas de coches. Fue su hermano quién le regaló su característica gorra para que cuando estuviera pegando los techos, no se le quedase en pegamento en su cabello.
Pero no todo fue bien.
El 29 de marzo apareció en la prensa la noticia: Allan Fryer de Fat Lip era el nuevo cantante de AC/DC.
Brian pensó que era lógico. Al fin y al cabo Allan vivía en Adelaida y se le había visto en el local de ensayo de la banda. Pero ese mismo día Brian recibió la llamada de Malcolm asegurándole que el puesto de cantante era suyo.
Para celebrarlo Brian se trincó una botella de whisky entera. No sólo era su excelente voz lo que le había proporcionado el puesto, ni su amor por excelentes artistas del blues y el soul, sino por su personalidad, directa y sin ambages, su sentido del humor y su amor por las cervezas y los dardos.
El 8 de abril se anunció oficialmente. Brian Johnson era el nuevo cantante de AC/DC.
Ese mismo mes, la banda comenzó los ensayos en los E-Zee Hire estudios, Pero de las tres semanas previstas, la banda sólo estuvo una. Surgió la posibilidad de ir a los estudios Compass Point en Nassau. Aunque la banda prefería unos estudios de grabación en Londres, en aquel momento no había disponible ninguno, además de que los impuestos estaban matando al grupo. Los Polar, propiedad de ABBA, y que habían sido utilizados por Led Zeppelin en alguna ocasión, estaban siendo utilizados por sus propios dueños, así que la opción de las Bahamas fue la mejor de todas.
Durantte todo abril y mayo de 1980 el grupo estuvo grabando una canción tras otra. Un clásico tras otro.
El buen ambiente que se vivía en él y las ganas de grabar algo grande fueron determinantes para ello.
Desde la primera canción que grabaron, “You shook me all night long”, quedó claro que la autoridad en la banda correspondía a Malcolm, incluso por encima de Lange y Platt.
“Rock and Roll ain’t noise pollution”, fue la última canción en grabarse. Tranquila, latente, viva, cómo ese sonido del principio. Brian dando la última calada a su cigarrillo antes de entrar a cantar el tema.
Jonna dio todo lo que llevaba dentro. Cantó todas las canciones al máximo de sus posibilidades. Al límite de su registro vocal. Notas agudas con todo el poder y emoción que podía insuflarles.
Antes de la edición del disco, un 25 de julio de 1980, hace treinta años, la banda ofreció unos pocos conciertos. Tras unas semanas de ensayos, el grupo ofreció su primer concierto con su nuevo cantante el 29 de junio en Namur, una localidad belga.
A principios de julio, el grupo se desplazó a Breda, Holanda, para filmar vidos promocionales sin público de las canciones “Hells bells”, “Back in black”, Rock and Roll ain’t noise pollution”, “You sook me all night long”, “What do you for Money, honey” y “Let me put my love into you”. Los directores encargados fueron Eric Dionysius y Eric Mistler, los mismos que habían llevado a cabo la película “Let there be rock”.
El disco fue editado, y la gira de la banda siguió sin descanso, llegando a pasar al siguiente año por España en su primera actuación real en nuestro país. Todo el mundo conoce la historia de la banda con España, que hasta le dedicó una calle. Además el 22 de agosto de 1981 la banda encabezaba el segundo festival Monsters Of Rock en Donington, delante de setenta y cinco mil personas. Aunque fue un absoluto desastre, la banda llevaba seis meses encerrada preparando canciones para su próximo disco y no habían ensayado desde entonces, la culpa del desastre la tuvo el sonido que extrajo la BBC ese día.
Treinta años después y casi cincuenta millones de copias vendidas en todo el mundo, “Back in black”, convertido en todo un clásico y en el mejor homenaje de la banda a su fallecido cantante, quedó claro que la elección de Brian Johnson fue, es y será la mejor opción del grupo para seguir adelante. El primer concierto de aquella gira fue en Perth, ciudad donde residía Bon. Allí, aquella noche, Brian dedicó “High voltaje” a la madre de Bon, su padre no asistió al concierto, y ésta le deseó sinceramente lo mejor para el cantante.
Diez temas directos de Rock and Roll, con ciertos toques blues, jazzies por parte de la voz de Brian y mucho sentimiento.
Cuarenta y dos minutos que marcaron un antes y un después en la carrera de la banda.
Grabado como ya dijimos en los Compass Point Studios y mezclado en los Electric Lady estudios en Nueva York durante dos meses, la banda explotó en cuanto a composición se refiere, así como un punto de referencia básica a la hora de intentar emular un disco de Rock exitoso por parte de todos aquellos grupos que quieran conseguir éxito.
Extrañamente aun siendo el disco más vendido de la banda, no es ni de lejos el que más alto llegó en las listas americanas, el famoso US Billboard. Ese honor se lo lleva “For those about to Rock” que llegó a número uno, quedándose “Back in black” en un más que decente cuarto puesto. Casualmente, su último disco “Black ice” consiguió ese primer puesto tan preciado por todo grupo. Han tenido que pasar veintisiete años para conseguir de nuevo ese honor.
Todas las canciones del disco fueron compuestas por Angus Young, Malcolm Young y Brian Johnson.
Posiblemente “Back in black”, el disco, tenga el inicio más reconocible de todos los discos de la banda, tanto en su primera cara, como en su segunda cara.
En la cara A, ell sonido de esas campanas resuena en nuestro interior en todo momento. Una campana que hubo de ser fabricada ex profeso para la banda. Con un peso de una tonelada, lo cual les produjo más de un problema para su transporte en los conciertos, una fundición de Loughborough, que fabricaba campanas para iglesias. La banda pidió que grabasen en ella las palabras “Hells bells” y como no, AC/DC.
Grabada por Platt hasta encontrar el sonido deseado, cuando lo consiguieron, redujeron la velocidad de la grabación, y pusieron el famoso golpe uno tras otro hasta conseguir una especie de llamada a muertos, muy acorde con la muerte de Bon.
Y en la segunda cara el riff constante y ese pequeño fraseo de Angus hace del tema el más reconocible de todos durante todos estos años.
No había mención a la muerte de Bon en ningún sitio. Pero todo el mundo sabía que el disco al completo era un auténtico homenaje a su persona.
Con un sonido seco y directo, sin efectos ni grandes ecos, la banda ofreció una nueva lección de puro y duro Rock and Roll.
Con su chillona voz, no tan cruda como la de Bon, Brian otorgó al grupo una nueva bocanada de aire, comenzando así lo que es la segunda vida de la banda. Podríamos decir que éste es el auténtico Mark II del grupo.
Los solos son brillantes, los coros precisos, los ritmos básicos pero clásicos, la voz perfecta y los temas, bien, los temas, queda claro que el paso del tiempo les dio la razón.
La banda quiso editar el disco con una portada completamente en negro, con tan sólo el nombre del grupo y el nombre del disco en relieve, algo que en su primera edición española se obvió, apareciendo el nombre del grupo sin relieve y omitiendo el nombre del disco, sólo reconocible en el lomo del mismo. Pero al final pensando que eso sería un suicidio comercial, el grupo optó por una fina línea blanca resiguiendo el nombre del grupo.
Recuerdo perfectamente a un servidor de ustedes acercándose a su tienda de discos favorita del barrio a comprar el disco.
Treinta años después de aquel día me sigue pareciendo uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor con Brian. Por supuesto mi favorito sigue siendo “Let there be rock” primer disco que cayó en mis manos del grupo gracias a mi vecino, unos cuantos años mayor que yo.
Al igual que ocurriría con Def Leppard años después, exactamente siete, con su famoso “Hysteria”, editado en agosto de 1987, y producido por el entonces ya famoso Robert John Mutt Lange, muchos fueron los temas que aparecieron en single. Seis en total. Eso deja claro la calidad de los temas que componían el disco. Más de la mitad de ellos aparecieron en aquel venerado formato.
Fuerte, potente, mágico, creo que son buenos adjetivos para definir un disco que sigue sonando fresco, directo, nada ampuloso, básico, mucho más que esos acústicos que se grabaron tiempo después. Esto es una auténtica banda de Rock and Roll, más viva que nunca,, aunque la muerte les hubiera golpeado tan de cerca, haciendo lo que mejor saben hacer: Rock and Roll. Como muy bien canta Brian al final del disco, en el estribillo final de “Rock and Roll ain’t noise pollution”, el Rock and Roll es simplemente Rock and Roll. Muy acertado.
Desde el primer momento “You shook me all night long” se convirtió en mi tema favorito del disco. Le andaba muy cerca “Hells bells”, por el sonido de las campanas. Pero la batería de “You shook me” me hacía y me hace saltar cada vez que la escucho en el inicio del tema, junto a ese sonido de guitarra tan característico de la banda. Así como final cada vez más rápido.
Que el grupo la eligiese como segundo single dice mucho en su favor. Además de ser el tema elegido también como segundo single del disco “Who made who”, una especie de grandes éxitos editados a modo de banda sonora en agosto de 1986, al igual que hoy día tenemos la banda sonora de Iron Man.
La declaración de principios que es “Rock and Roll ain’t noise pollution” fue el primero de ellos. Los siguientes fueron “What do you do for Money honey” que nos hacía revolver nuestras calenturientas mentes adolescentes con dicha pregunta, “Back in black”, “Hells bells” y Shoot to thrill”. Por este orden.
“Have a drink on me” es auténtico Boogie marca de la casa.
Poco que decir sobre este clásico. Seguramente cada uno de los fans de la banda, que últimamente son muchos, tiene su disco favorito, casi siempre aquel con el que se conoció al grupo, como dije anteriormente en mi caso “Let there be rock”, pero lo que sí están de acuerdo todos y cada uno de los fans, es que “Back in black” es el mejor disco del grupo en su segunda versión. Un disco como se suele decir, redondo.
El mundo el rock estaba expectante sobre qué es lo que haría la banda tras la muerte de alguien con tanto carisma como Bon, alguien que era sin ningún tipo de duda la cara visible del grupo, muy por delante de los hermanos, por mucho que ellos fueran los responsables del sonido del grupo, un sonido que tras 35 años, sigue tan vigente o más que el día en que la banda nació.
Tras las campanas del infierno, vinieron los cañones como saludo, pero como siempre digo, eso ya es otra historia.
Track list:
Cara A
01. Hells bells
02. Shoot to thrill
03. What do you do for Money honey
04. Given the dog a bone
05. Let me put my love into you
Cara B
01. Back in black
02. You shook me all night long
03. Have a drink on me
04. Shake a leg
05. Rock and Roll ain’t noise pollution
Line up:
Brian Johnson : voz
Angus Young: guitarra solista
Malcolm Young: guitarra rítmica y coros
Cliff Williams: bajo y coros
Phil Rudd: batería y percusión
BRITISH STEEL
JUDAS PRIEST
COLUMBIA-1980
Sin ningún tipo de duda, el año 1980 sería clave para el Heavy Metal.
Bandas como Motorhead, que editaban aquel año su famoso “Ace of spades” o Saxon, que hacían lo propio con “Wheels of steel”, habría que añadir a Van Halen, “Women and children first”, Thin Lizzy “Chinatown” o los primeros discos de Iron Maiden, “Iron Maiden” o Def Leppard “On through the night”, además del primer álbum de Black Sabbath con Dio al frente, “Heaven and hell”, o el primer disco de AC/DC sin Bon Scott, “Back in black”, o los primeros discos en solitario de Joe Perry, “Let the music do the talking”, y Ozzy Osbourne “Blizzard of Ozz” o el algo olvidado “Animal magnetism” de Scorpions.
Pero hoy, estamos aquí para celebrar, tal día como hoy de hace 30 años, la edición de uno de los discos básicos para entender el Heavy Metal. Precursor sin duda del estilo que se denominó NWOBHM, por mucho que ellos, la banda de Birmingham Judas Priest, ya llevasen unos pocos años en el mundo del Rock.
“British steel” fue el sexto álbum en la carrera de Judas Priest. Grabado en Tittenhurst Park, la mansión de John Lennon, aunque la banda lo intentó en los Starling Studios, de Ringo Starr, representó por aquel entonces, el punto más alto alcanzado por la banda en las listas de éxito. Incluso a día de hoy, podemos asegurar que lo sigue siendo. Al menos en lo que respecta a su propio país. Y es que, aunque la banda siempre miró hacia los Estados Unidos, el verdadero éxito lo obtuvo siempre en el viejo continente.
Sin ir más lejos, en el mes de agosto de éste mismo año, 1980, concretamente el día 16, se produjo el primer Monsters of Rock festival, con Rainbow de cabeza de cartel, seguido por Judas Priest como banda invitada, para acabar de llenar el día con Scorpions, April Wine, Saxon y Riot.
Además, para el público americano la banda grabó el año siguiente “Point of entry”, en un intento, vano,sin duda, de conquistar el mercado americano.
El disco fue producido por Tom Allom, ingeniero en los primeros discos de Black Sabbath, además de haber acabado días antes la producción del primer disco de Def Leppard, y por supuesto resultó ser la presentación de Dave Holland, nuevo batería del grupo sustituyendo a Les Binks. Aunque Holland había girado con la banda anteriormente a la edición del disco, exactamente el 1 de septiembre de 1979 junto a Kiss, éste representaría su presentación oficial.
Tres serían los singles que aparecerían de éste disco: “Living after midnight”, “Breaking the law” y “United”. Sin duda alguna, los dos primeros temas de estos tres, clásicos en toda su extensión, y con todo el derecho del mundo.
El disco se abre con “Rapad fire”. Un tema rápido, de ritmo constante, tan afilado que por momentos corta, aunque solo sea la respiración mientras lo escuchamos.
Le sigue “Metal Gods”, que a la postre acabaría siendo el sobrenombre del propio Halford “Metal God”.
Resulta curioso el cómo hacían los efectos por aquellas épocas, ya que no existían simples para ellos.
Por ejemplo, los supuestos andares que se oyen en la canción a modo de marcha militar por los ejércitos, estaban realizados con una cubertería, añadiéndole efectos de botellas de leche destrozadas en el suelo. Incluso la banda llegó a usar tacos de billar para según que efectos.
El tema musicalmente sigue la onda de la banda. Guitarras potentes, ritmos machacones y la voz de Halford sobresaliendo en todo momento.
Le sigue “Breaking the law”. ¿Qué decir de éste tema?.
Seguramente tuvo mucho que ver el paro que había en Inglaterra por aquellos años, así como lo poco que gustaba alguien como Margaret Thacher con uss ideas políticas.
Creo que casi todas las bandas de Heavy del mundo han tocado una u otra vez este tema, aunque sin duda me quedo con la versión que hizo Doro en su álbum con la orquesta y que posteriormente llevó al directo en las consiguientes giras que llevó a cabo. Ese era su modo de agradecer a los chicos de Judas Priest que confiaran en ella y su antigua banda, Warlock, y los llevasen de gira por toda Europa.
“Grinder” sigue la senda del disco. Riffs potentes, sostenidos con ritmos duros y la voz de Halford en primer plano.
“United” siempre me resultó una especie de himno. Una llamada a la unión de todos aquellos que estuvieran explotados, sumisos bajo cualquier yugo, político o social.
Es posible que desentone en la tónica general del disco. Aunque su ritmo lento, no por ello deja de ser machacón. Para cerrar la primera cara resultaba hasta curioso.
“You don’t have to be old to be wise” abría la segunda cara y es toda otra declaración de principios de la banda, dejando muy claro que aunque sean jóvenes no por ello dejan de estar preparados. O lo que es lo mismo: no hay que ser viejo para ser sabio.
Resultó ser el tema más extenso del disco, llegando a superar los cinco minutos. Posiblemente sea el tema que más acerca a la banda al Rock básico, alejándolo del Heavy Metal que podría ser “Rapad Fire”, aunque como en todos los temas, Halford se desgañita a gusto.
“Living after midnight”, posiblemente el tema más conocido del grupo y el que más alto estuvo en los charts, se llevó un puesto 12 en U.K. nos devuelve a una banda con ganas de metal. Por mucho que algunos digan que con el tema la banda quiso unir el Rock con el Pop. El insistente riff de Downing y Tipton no lo escucharéis nunca en ninguna canción pop, eso os lo aseguro.
“The rage” resultó ser el momento de abertura musical de labanda en este disco. Como diciendo, hey, hacemos Heavy Metal, pero podemos adentrarnos en otros terrenos. Que sí, esposible que en sus anteriores discos ya lo hubieran hecho, pero sin duda, cualquier cosa grabada en este “British steel” fue mirada con lupa. Con un inicio algo reggae dado por el sonido de bajo de Ian y la batería de Dave, se torna en duro metal cuando entran las guitara de K.K. y Glenn.
“Steleer” cierra el disco con nota alta. Tal y como empezó: rápido, afilado, potente y dejando claro quien es el amo y señor de Metal en aquel lejano año 1980.
Aunque el año siguiente apareció “Point of entry” la banda se redimió de ello con sus dos siguientes obras: “Screaming for vengeance” de 1982 y “Defenders of the faith” de 1984.
Aunque eso, como siempre digo en estos casos, es otra historia.
Alabado sea el año 1980 que vio nacer tantos y tan buenos discos de Metal y de los cuales a día de hoy aún podemos disfrutar. Sobre todo de éste, que está a punto de salir al mercado en una nueva edición remasterizada, con un bonus cd y un bonus dvd.
Por cierto, un último comentario a la portada del mismo. Todo otro clásico del género. Diseñada por Roslav Szaybo.
Line up:
Rob Halford – voz
K.K. Downing – guitarra
Glenn Tipton – guitarra
Ian Hill – bajo
Dave Holland – batería
Listado temas:
01. Rapid fire
02. Metal gods
03. Breaking the law
04. Grinder
05. United
06. You don’t have to be old to be wise
07. Living after midnight
08. The rage
09. Steeler
10. Red, white and blue [bonus track de la reedición del 2001] (tema grabado durante las sesiones de 1985 para el álbum Turbo)
11. Grinder [bonus track para la edición del 2001] (grabado en directo el 5 de mayo de 1985 en Long Beach arena, California)
Bandas como Motorhead, que editaban aquel año su famoso “Ace of spades” o Saxon, que hacían lo propio con “Wheels of steel”, habría que añadir a Van Halen, “Women and children first”, Thin Lizzy “Chinatown” o los primeros discos de Iron Maiden, “Iron Maiden” o Def Leppard “On through the night”, además del primer álbum de Black Sabbath con Dio al frente, “Heaven and hell”, o el primer disco de AC/DC sin Bon Scott, “Back in black”, o los primeros discos en solitario de Joe Perry, “Let the music do the talking”, y Ozzy Osbourne “Blizzard of Ozz” o el algo olvidado “Animal magnetism” de Scorpions.
Pero hoy, estamos aquí para celebrar, tal día como hoy de hace 30 años, la edición de uno de los discos básicos para entender el Heavy Metal. Precursor sin duda del estilo que se denominó NWOBHM, por mucho que ellos, la banda de Birmingham Judas Priest, ya llevasen unos pocos años en el mundo del Rock.
“British steel” fue el sexto álbum en la carrera de Judas Priest. Grabado en Tittenhurst Park, la mansión de John Lennon, aunque la banda lo intentó en los Starling Studios, de Ringo Starr, representó por aquel entonces, el punto más alto alcanzado por la banda en las listas de éxito. Incluso a día de hoy, podemos asegurar que lo sigue siendo. Al menos en lo que respecta a su propio país. Y es que, aunque la banda siempre miró hacia los Estados Unidos, el verdadero éxito lo obtuvo siempre en el viejo continente.
Sin ir más lejos, en el mes de agosto de éste mismo año, 1980, concretamente el día 16, se produjo el primer Monsters of Rock festival, con Rainbow de cabeza de cartel, seguido por Judas Priest como banda invitada, para acabar de llenar el día con Scorpions, April Wine, Saxon y Riot.
Además, para el público americano la banda grabó el año siguiente “Point of entry”, en un intento, vano,sin duda, de conquistar el mercado americano.
El disco fue producido por Tom Allom, ingeniero en los primeros discos de Black Sabbath, además de haber acabado días antes la producción del primer disco de Def Leppard, y por supuesto resultó ser la presentación de Dave Holland, nuevo batería del grupo sustituyendo a Les Binks. Aunque Holland había girado con la banda anteriormente a la edición del disco, exactamente el 1 de septiembre de 1979 junto a Kiss, éste representaría su presentación oficial.
Tres serían los singles que aparecerían de éste disco: “Living after midnight”, “Breaking the law” y “United”. Sin duda alguna, los dos primeros temas de estos tres, clásicos en toda su extensión, y con todo el derecho del mundo.
El disco se abre con “Rapad fire”. Un tema rápido, de ritmo constante, tan afilado que por momentos corta, aunque solo sea la respiración mientras lo escuchamos.
Le sigue “Metal Gods”, que a la postre acabaría siendo el sobrenombre del propio Halford “Metal God”.
Resulta curioso el cómo hacían los efectos por aquellas épocas, ya que no existían simples para ellos.
Por ejemplo, los supuestos andares que se oyen en la canción a modo de marcha militar por los ejércitos, estaban realizados con una cubertería, añadiéndole efectos de botellas de leche destrozadas en el suelo. Incluso la banda llegó a usar tacos de billar para según que efectos.
El tema musicalmente sigue la onda de la banda. Guitarras potentes, ritmos machacones y la voz de Halford sobresaliendo en todo momento.
Le sigue “Breaking the law”. ¿Qué decir de éste tema?.
Seguramente tuvo mucho que ver el paro que había en Inglaterra por aquellos años, así como lo poco que gustaba alguien como Margaret Thacher con uss ideas políticas.
Creo que casi todas las bandas de Heavy del mundo han tocado una u otra vez este tema, aunque sin duda me quedo con la versión que hizo Doro en su álbum con la orquesta y que posteriormente llevó al directo en las consiguientes giras que llevó a cabo. Ese era su modo de agradecer a los chicos de Judas Priest que confiaran en ella y su antigua banda, Warlock, y los llevasen de gira por toda Europa.
“Grinder” sigue la senda del disco. Riffs potentes, sostenidos con ritmos duros y la voz de Halford en primer plano.
“United” siempre me resultó una especie de himno. Una llamada a la unión de todos aquellos que estuvieran explotados, sumisos bajo cualquier yugo, político o social.
Es posible que desentone en la tónica general del disco. Aunque su ritmo lento, no por ello deja de ser machacón. Para cerrar la primera cara resultaba hasta curioso.
“You don’t have to be old to be wise” abría la segunda cara y es toda otra declaración de principios de la banda, dejando muy claro que aunque sean jóvenes no por ello dejan de estar preparados. O lo que es lo mismo: no hay que ser viejo para ser sabio.
Resultó ser el tema más extenso del disco, llegando a superar los cinco minutos. Posiblemente sea el tema que más acerca a la banda al Rock básico, alejándolo del Heavy Metal que podría ser “Rapad Fire”, aunque como en todos los temas, Halford se desgañita a gusto.
“Living after midnight”, posiblemente el tema más conocido del grupo y el que más alto estuvo en los charts, se llevó un puesto 12 en U.K. nos devuelve a una banda con ganas de metal. Por mucho que algunos digan que con el tema la banda quiso unir el Rock con el Pop. El insistente riff de Downing y Tipton no lo escucharéis nunca en ninguna canción pop, eso os lo aseguro.
“The rage” resultó ser el momento de abertura musical de labanda en este disco. Como diciendo, hey, hacemos Heavy Metal, pero podemos adentrarnos en otros terrenos. Que sí, esposible que en sus anteriores discos ya lo hubieran hecho, pero sin duda, cualquier cosa grabada en este “British steel” fue mirada con lupa. Con un inicio algo reggae dado por el sonido de bajo de Ian y la batería de Dave, se torna en duro metal cuando entran las guitara de K.K. y Glenn.
“Steleer” cierra el disco con nota alta. Tal y como empezó: rápido, afilado, potente y dejando claro quien es el amo y señor de Metal en aquel lejano año 1980.
Aunque el año siguiente apareció “Point of entry” la banda se redimió de ello con sus dos siguientes obras: “Screaming for vengeance” de 1982 y “Defenders of the faith” de 1984.
Aunque eso, como siempre digo en estos casos, es otra historia.
Alabado sea el año 1980 que vio nacer tantos y tan buenos discos de Metal y de los cuales a día de hoy aún podemos disfrutar. Sobre todo de éste, que está a punto de salir al mercado en una nueva edición remasterizada, con un bonus cd y un bonus dvd.
Por cierto, un último comentario a la portada del mismo. Todo otro clásico del género. Diseñada por Roslav Szaybo.
Line up:
Rob Halford – voz
K.K. Downing – guitarra
Glenn Tipton – guitarra
Ian Hill – bajo
Dave Holland – batería
Listado temas:
01. Rapid fire
02. Metal gods
03. Breaking the law
04. Grinder
05. United
06. You don’t have to be old to be wise
07. Living after midnight
08. The rage
09. Steeler
10. Red, white and blue [bonus track de la reedición del 2001] (tema grabado durante las sesiones de 1985 para el álbum Turbo)
11. Grinder [bonus track para la edición del 2001] (grabado en directo el 5 de mayo de 1985 en Long Beach arena, California)
RIDE THE LIGHTNING
METALLICA
ELEKTRA RECORDS-1984
Metallica es uno de los referentes del rock pesado mundial, basta con escuchar su segundo larga duración titulado 'Ride the Lightning', editado en septiembre de 1984, para llegar a esa conclusión.
Este disco representa una evolución del sonido original de la banda que encontramos en el álbum debut 'Kill 'em All' (1983), considerado como el primer álbum de thrash metal y que ha influenciado a numerosas bandas de ese sub género.
Pero Metallica quería mucho más y consiguió superarse a sí mismo con este 'Ride the Lightning' que encumbró al grupo a la primera división del heavy rock, la razón principal tiene nombre propio: Kirk Hammett, guitarrista solista proveniente de la banda Exodus que reemplazó a un Dave Mustaine con participación en las composiciones del primer disco y quien había sido despedido por sus excesos con el alcohol y algunos roces con los referentes de la banda, James Hetfield (guitarra rítmica) y Lars Ulrich (batería).
Es evidente que Hammett es más prolijo y melódico que Mustaine, sus riffs y solos en el álbum son su mejor carta de presentación, no podía esperarse menos de quien fue alumno del maestro Joe Satriani. Habría que precisar que cuando Hammett ingresó a Metallica, encontró ya compuesto el disco 'Kill 'em All', motivo por el cual no pudo imprimir su sello personal.
Las letras del 'Ride the Lightning' desarrollan básicamente el tema de la muerte, por ese motivo es considerado como un álbum parcialmente conceptual.
El inicio del disco es demoledor con 'Fight Fire with Fire', que trata del holocausto nuclear. El suave punteo en guitarra acústica hasta los 0:35 es clásico, ha inspirado canciones similares como 'Armed and Dangerous' de Anthrax. Luego de los 35 segundos iniciales todo es potencia y vértigo en auténtico estilo thrash metal, el riff de guitarra, la batería y bajo son como una locomotora que avanza incontenible, guiada por la inconfundible voz de James Hetfield.
El festín sonoro continúa con 'Ride the Lightning', que como sugieren el título y portada del álbum, desarrolla en su letra el tema de la ejecución a través de la silla eléctrica. El riff debe ser de los mejores de Metallica en toda su carrera, y la melodía vocal de Hetfield es perfecta. También destaca el extenso solo de guitarra con cambios de ritmo, bien secundado por la guitarra rítmica de Hetfield y las líneas de bajo y batería.
La canción siguiente 'For Whom the Bell Tolls' es otra de las más logradas de la banda, el riff es impresionante -pesado y melódico a la vez- y además tiene la particularidad de no incluir un solo de guitarra propiamente dicho, detalle que es suplido en la parte final por punteos entrecortados de Hammett. Por su parte, la potente voz de Hetfield nuevamente se ajusta con precisión al ritmo de la canción. La letra desarrolla un tópico que sería retomado posteriormente en la canción 'One': la muerte en guerra.
Es turno de comentar la power balada 'Fade to black', que se inicia con unos punteos de guitarra eléctrica inspiradísimos, en estilo metal neo clásico, por lo que podría afirmarse que las enseñanzas de Satriani fueron plasmadas por Hammett en esta canción. El cambio de ritmo posterior así como el potente final también son dignos de los mejores elogios, contrariamente a la opinión de algunos de los fans más extremos de la banda que en su época renegaron de la decisión de Metallica de incluir una balada en el disco. La letra es sobre un tema siempre polémico: el suicidio.
Los otros dos temas de calidad A1 del disco son 'Escape' y 'Creeping Death'.
'Escape' tiene un riff más heavy que thrash metal, pero con la misma amplificación de las demás composiciones del álbum, así que no desentona en lo más mínimo. Nuevamente se luce la dupla Hammett-Hetfield en las guitarras, mientras que el desaparecido Cliff Burton junto a Lars Ulrich lo dan todo en bajo y batería, respectivamente.
'Creeping Death' forma parte en mi criterio, de esa lista de canciones irreemplazables en un set list de la banda cuando está de gira, debido a su frenético ritmo y melodía. Por si fuera poco, la letra es interesante, pues trata de la esclavitud del pueblo judío y de las plagas bíblicas.
En resumen, 'Ride the Lightning' es un disco plenamente recomendable debido a su calidad y variedad estilística. Contiene varias canciones clásicas de Metallica, la power balada 'Fade to black' y hasta una composición instrumental titulada 'The Call of Ktulu', es decir, hay para todos los gustos.
Canciones:
1. Fight Fire with Fire - 4:44
2. Ride the Lightning - 6:37
3. For Whom the Bell Tolls - 5:09
4. Fade to black - 6:53
5. Trapped Under Ice - 4:04
6. Escape - 4:24
7. Creeping Death - 6:35
8. The Call of Ktulu - 8:53
James Hetfield - voz, guitarra rítmica.
Kirk Hammett - guitarra solista.
Cliff Burton - bajo.
Lars Ulrich - batería.
Este disco representa una evolución del sonido original de la banda que encontramos en el álbum debut 'Kill 'em All' (1983), considerado como el primer álbum de thrash metal y que ha influenciado a numerosas bandas de ese sub género.
Pero Metallica quería mucho más y consiguió superarse a sí mismo con este 'Ride the Lightning' que encumbró al grupo a la primera división del heavy rock, la razón principal tiene nombre propio: Kirk Hammett, guitarrista solista proveniente de la banda Exodus que reemplazó a un Dave Mustaine con participación en las composiciones del primer disco y quien había sido despedido por sus excesos con el alcohol y algunos roces con los referentes de la banda, James Hetfield (guitarra rítmica) y Lars Ulrich (batería).
Es evidente que Hammett es más prolijo y melódico que Mustaine, sus riffs y solos en el álbum son su mejor carta de presentación, no podía esperarse menos de quien fue alumno del maestro Joe Satriani. Habría que precisar que cuando Hammett ingresó a Metallica, encontró ya compuesto el disco 'Kill 'em All', motivo por el cual no pudo imprimir su sello personal.
Las letras del 'Ride the Lightning' desarrollan básicamente el tema de la muerte, por ese motivo es considerado como un álbum parcialmente conceptual.
El inicio del disco es demoledor con 'Fight Fire with Fire', que trata del holocausto nuclear. El suave punteo en guitarra acústica hasta los 0:35 es clásico, ha inspirado canciones similares como 'Armed and Dangerous' de Anthrax. Luego de los 35 segundos iniciales todo es potencia y vértigo en auténtico estilo thrash metal, el riff de guitarra, la batería y bajo son como una locomotora que avanza incontenible, guiada por la inconfundible voz de James Hetfield.
El festín sonoro continúa con 'Ride the Lightning', que como sugieren el título y portada del álbum, desarrolla en su letra el tema de la ejecución a través de la silla eléctrica. El riff debe ser de los mejores de Metallica en toda su carrera, y la melodía vocal de Hetfield es perfecta. También destaca el extenso solo de guitarra con cambios de ritmo, bien secundado por la guitarra rítmica de Hetfield y las líneas de bajo y batería.
La canción siguiente 'For Whom the Bell Tolls' es otra de las más logradas de la banda, el riff es impresionante -pesado y melódico a la vez- y además tiene la particularidad de no incluir un solo de guitarra propiamente dicho, detalle que es suplido en la parte final por punteos entrecortados de Hammett. Por su parte, la potente voz de Hetfield nuevamente se ajusta con precisión al ritmo de la canción. La letra desarrolla un tópico que sería retomado posteriormente en la canción 'One': la muerte en guerra.
Es turno de comentar la power balada 'Fade to black', que se inicia con unos punteos de guitarra eléctrica inspiradísimos, en estilo metal neo clásico, por lo que podría afirmarse que las enseñanzas de Satriani fueron plasmadas por Hammett en esta canción. El cambio de ritmo posterior así como el potente final también son dignos de los mejores elogios, contrariamente a la opinión de algunos de los fans más extremos de la banda que en su época renegaron de la decisión de Metallica de incluir una balada en el disco. La letra es sobre un tema siempre polémico: el suicidio.
Los otros dos temas de calidad A1 del disco son 'Escape' y 'Creeping Death'.
'Escape' tiene un riff más heavy que thrash metal, pero con la misma amplificación de las demás composiciones del álbum, así que no desentona en lo más mínimo. Nuevamente se luce la dupla Hammett-Hetfield en las guitarras, mientras que el desaparecido Cliff Burton junto a Lars Ulrich lo dan todo en bajo y batería, respectivamente.
'Creeping Death' forma parte en mi criterio, de esa lista de canciones irreemplazables en un set list de la banda cuando está de gira, debido a su frenético ritmo y melodía. Por si fuera poco, la letra es interesante, pues trata de la esclavitud del pueblo judío y de las plagas bíblicas.
En resumen, 'Ride the Lightning' es un disco plenamente recomendable debido a su calidad y variedad estilística. Contiene varias canciones clásicas de Metallica, la power balada 'Fade to black' y hasta una composición instrumental titulada 'The Call of Ktulu', es decir, hay para todos los gustos.
Canciones:
1. Fight Fire with Fire - 4:44
2. Ride the Lightning - 6:37
3. For Whom the Bell Tolls - 5:09
4. Fade to black - 6:53
5. Trapped Under Ice - 4:04
6. Escape - 4:24
7. Creeping Death - 6:35
8. The Call of Ktulu - 8:53
James Hetfield - voz, guitarra rítmica.
Kirk Hammett - guitarra solista.
Cliff Burton - bajo.
Lars Ulrich - batería.
METAL HEART
ACCEPT
PORTRAIT RECORDS-1985
“Metal Heart” resultó posiblemente a la postre, el disco con más éxito de la banda, no tanto a nivel de ventas, sino más de popularidad. A punto de cumplir veinticinco años de existencia, desde estas páginas queremos rendirle aunque sea breve, un merecido tributo. Al disco y a la banda, por supuesto.
Es posible que “Balls to the wall” llegase más alto en las listas y que el grueso de fans prefiera “Restless and wild” un disco que posiblemente contenía la primera canción de Speed metal: “Fast as a shark”, y donde por fin Udo cantaba todas y cada una de las canciones, pero particularmente creo que con “Metal Heart” la banda llegó a lo más alto.
Muchos fueron los puntos que favorecieron este hecho.
La banda mantenía una formación más o menos estable desde hacía ya cinco discos.
Udo Dirkschneider a las voces, Wolf Hoffmann a la guitarra, Peter Baltes al bajo, Stefan Kaufmann a la batería y Jorg Fischer a la otra guitarra, éste último de vuelta a la banda tras su salida momentánea y sustituído por Herman Frank.
Fue el primer disco que la banda dejó en manos de un productor externo, el todo poderoso Dieter Dierks, que aunque la banda había utilizado sus estudios para sus anteriores discos, los no menos famosos Dierks-Studios, jamás habían dejado a nadie que no fueran ellos mismos la producción de sus discos a manos ajenas.
Y posiblemente lo que le otorgó más fama a este disco fue el equilibrio entre sus duras guitarras y sus melodías encantadoras.
La banda actuó en nuestro país los días 17 y 18 de abril, en Barcelona y Madrid respectivamente, en el lejano año 1986 y los americanos Dokken tuvieron el inmenso privilegio de abrir para los alemanes. Decían las crónicas de la época, lo recuerdo perfectamente, que si esta misma gira se hubiera producido en América, el cartel hubiera sido al contrario: Accept hubieran abierto para Dokken.
Bien es cierto que en aquellos días, la banda estaba a punto de editar su nuevo disco “Russian roulette” y que la gira que les trajo a España se enmarcaba en dicho tour, y como es normal la banda interpretaba temas de su álbum a editar en los shows, pero los conciertos se realizaron unos días antes de que el disco se pusiera a la venta, así que técnicamente podría decirse que los conciertos pertenecían a su anterior gira. Tour que cosechó un enorme éxito, como muchas otras bandas de Heavy Metal, en el país del sol naciente.
Japón es un consumidor, aun a día de hoy, del buen Heavy Metal, así que tras esa exitosa gira por Japón, y mientras la banda grababa su nueva obra de estudio, la discográfica editó un mini LP de nombre “Kaizoku-Ban” en agradecimiento a sus fans nipones y en extensión al resto del mundo puesto que el disco vio la luz a nivel mundial.
Las posteriores ediciones del disco en formato cd contenían dos temas extraídos de ese disco en directo. “Love child” y “Living for tonite”
Pero esto era la vieja Europa. La que se volvía loca con las banda de Heavy Metal. Dorados años 80. La NWOBHM seguía más viva que nunca y Def Leppard, Motorhead, Iron Maiden, Judas Priest, Scorpions o Rainbow eran bandas sagradas.
Entrando ya en el disco propiamente dicho, destacaría sin ningún tipo de dudas y por encima de cualquier composición el tema que lo abre y que da título al disco: “Metal Heart”.
Primero por contener una de las mejores introducciones que jamás se han hecho en el mundo del Heavy Metal. “La Marcha Slavonica” de Tchaikovsky llevada con muy buen gusto al mundo del metal. Y por supuesto, el solo de guitarra de Wolf, extraído directamente de “Für Elise” de Beethoven. Todo muy de la vieja escuela Blackmore y sus Rainbow.
Lo segundo que sorprende en el disco, es el acercamiento al mundo del Jazz por parte de la banda en un tema tan distinto estilísticamente del resto como es “Teach us to survive”, con un Udo en labores de auténtico corner americano.
El disco explotó en América gracias a la delicada mezcla de melodías y dureza de sus canciones. Accept era una banda de Heavy Metal, pero sus melodías eran perfectas para sonar en la radio. Tenía gancho comercial.
Aquellos eran años en los cuales las bandas editaban un disco por año.
Estudio, gira, estudio, gira….una montaña rusa sin fin.
Pero todos y cada uno de los álbumes era superior al anterior.
Cuenta el propio Udo que la época que va desde la edición de “Breaker” (1981) hasta la de “Metal Heart” (1985) es la mejor de toda la historia de la banda.
Se podría entrever de sus palabras que éste es el punto álgido de su carrera como banda, al menos en cuestiones compositivas.
A día de hoy, que suena una posible edición de un disco de la banda con Mark Tornillo reemplazando a Udo, en este 2010, bajo el nombre de “Blood of nations” y producido por Andy Sneap, que sigue con su carrera en solitario, estaría bien que hicieran un pensamiento, reflexionasen, y unieran sus fuerzas para volver a unir sus fuerzas: Udo, Peter, Wolf, Hermann y Stefan.
Mientras eso no suceda, nosotros seguiremos disfrutando de este clásico de clásicos en nuestro tocadiscos, escuchando temas como “Up to the limit”, tremenda versión que aparecía en el no menos clásico y mítico disco “Stars” grabado por lo mejor y más granado del panorama Heavy bajo los auspicios del gran Ronnie James Dio, bajo el nombre de Hear ‘n Aid, “Screaming fo the love-bite”, “Living for tonite”, “Wrong is right” o “To high to
get it right”.
En definitiva, podía haber elegido alguna de sus dos anteriores obras, “Restless and wild” les puso en el mapa y “Balls to the wall” les presentó mundialmente, pero para el que esto suscribe, un humilde servidor de todos ustedes, éste es sin duda su disco favorito de la banda.
Antes de finalizar quisiera hacer una pequeña referencia a la icónica portada. Seguramente la portada más efectiva en el mundo del metal. Aunque el concepto original de la misma era un holograma en forma de corazón metálico, la banda tuvo que desechar dicha opción por su elevado coste, pero al menos mantuvo la idea de un corazón metálico en la portada, algo que muchos de nosotros hubiéramos matado en aquel entonces por tener.
Escuchando a día de hoy el disco podría asegurar que Judas Priest tomó buena nota de él. Aunque Accept ya había taloneado al grupo en su gira de 1981, si no recuerdo mal, está claro que “Turbo”, el disco de los ingleses editado en 1986 había bebido bastante de las composiciones de los alemanes. Sin olvidarnos del vestuario que la banda lució en el video de “Midnight mover”.
Line up:
Udo Dirkschneider – voz
Wolf Hoffmann – guitarra, sitar y coros
Jorg Fischer – guitarra y coros
Peter Baltes – bajo, teclados y coros
Stefan Kaufmann – batería
Track list:
01. Metal Heart
02. Midnight mover
03. Up to the limit
04. Wrong is right
05. Screaming for a love-bite
06. Too high to get it right
07. Dogs on leads
08. Teach us to survive
09. Living for tonite
10. Bound to fail
Es posible que “Balls to the wall” llegase más alto en las listas y que el grueso de fans prefiera “Restless and wild” un disco que posiblemente contenía la primera canción de Speed metal: “Fast as a shark”, y donde por fin Udo cantaba todas y cada una de las canciones, pero particularmente creo que con “Metal Heart” la banda llegó a lo más alto.
Muchos fueron los puntos que favorecieron este hecho.
La banda mantenía una formación más o menos estable desde hacía ya cinco discos.
Udo Dirkschneider a las voces, Wolf Hoffmann a la guitarra, Peter Baltes al bajo, Stefan Kaufmann a la batería y Jorg Fischer a la otra guitarra, éste último de vuelta a la banda tras su salida momentánea y sustituído por Herman Frank.
Fue el primer disco que la banda dejó en manos de un productor externo, el todo poderoso Dieter Dierks, que aunque la banda había utilizado sus estudios para sus anteriores discos, los no menos famosos Dierks-Studios, jamás habían dejado a nadie que no fueran ellos mismos la producción de sus discos a manos ajenas.
Y posiblemente lo que le otorgó más fama a este disco fue el equilibrio entre sus duras guitarras y sus melodías encantadoras.
La banda actuó en nuestro país los días 17 y 18 de abril, en Barcelona y Madrid respectivamente, en el lejano año 1986 y los americanos Dokken tuvieron el inmenso privilegio de abrir para los alemanes. Decían las crónicas de la época, lo recuerdo perfectamente, que si esta misma gira se hubiera producido en América, el cartel hubiera sido al contrario: Accept hubieran abierto para Dokken.
Bien es cierto que en aquellos días, la banda estaba a punto de editar su nuevo disco “Russian roulette” y que la gira que les trajo a España se enmarcaba en dicho tour, y como es normal la banda interpretaba temas de su álbum a editar en los shows, pero los conciertos se realizaron unos días antes de que el disco se pusiera a la venta, así que técnicamente podría decirse que los conciertos pertenecían a su anterior gira. Tour que cosechó un enorme éxito, como muchas otras bandas de Heavy Metal, en el país del sol naciente.
Japón es un consumidor, aun a día de hoy, del buen Heavy Metal, así que tras esa exitosa gira por Japón, y mientras la banda grababa su nueva obra de estudio, la discográfica editó un mini LP de nombre “Kaizoku-Ban” en agradecimiento a sus fans nipones y en extensión al resto del mundo puesto que el disco vio la luz a nivel mundial.
Las posteriores ediciones del disco en formato cd contenían dos temas extraídos de ese disco en directo. “Love child” y “Living for tonite”
Pero esto era la vieja Europa. La que se volvía loca con las banda de Heavy Metal. Dorados años 80. La NWOBHM seguía más viva que nunca y Def Leppard, Motorhead, Iron Maiden, Judas Priest, Scorpions o Rainbow eran bandas sagradas.
Entrando ya en el disco propiamente dicho, destacaría sin ningún tipo de dudas y por encima de cualquier composición el tema que lo abre y que da título al disco: “Metal Heart”.
Primero por contener una de las mejores introducciones que jamás se han hecho en el mundo del Heavy Metal. “La Marcha Slavonica” de Tchaikovsky llevada con muy buen gusto al mundo del metal. Y por supuesto, el solo de guitarra de Wolf, extraído directamente de “Für Elise” de Beethoven. Todo muy de la vieja escuela Blackmore y sus Rainbow.
Lo segundo que sorprende en el disco, es el acercamiento al mundo del Jazz por parte de la banda en un tema tan distinto estilísticamente del resto como es “Teach us to survive”, con un Udo en labores de auténtico corner americano.
El disco explotó en América gracias a la delicada mezcla de melodías y dureza de sus canciones. Accept era una banda de Heavy Metal, pero sus melodías eran perfectas para sonar en la radio. Tenía gancho comercial.
Aquellos eran años en los cuales las bandas editaban un disco por año.
Estudio, gira, estudio, gira….una montaña rusa sin fin.
Pero todos y cada uno de los álbumes era superior al anterior.
Cuenta el propio Udo que la época que va desde la edición de “Breaker” (1981) hasta la de “Metal Heart” (1985) es la mejor de toda la historia de la banda.
Se podría entrever de sus palabras que éste es el punto álgido de su carrera como banda, al menos en cuestiones compositivas.
A día de hoy, que suena una posible edición de un disco de la banda con Mark Tornillo reemplazando a Udo, en este 2010, bajo el nombre de “Blood of nations” y producido por Andy Sneap, que sigue con su carrera en solitario, estaría bien que hicieran un pensamiento, reflexionasen, y unieran sus fuerzas para volver a unir sus fuerzas: Udo, Peter, Wolf, Hermann y Stefan.
Mientras eso no suceda, nosotros seguiremos disfrutando de este clásico de clásicos en nuestro tocadiscos, escuchando temas como “Up to the limit”, tremenda versión que aparecía en el no menos clásico y mítico disco “Stars” grabado por lo mejor y más granado del panorama Heavy bajo los auspicios del gran Ronnie James Dio, bajo el nombre de Hear ‘n Aid, “Screaming fo the love-bite”, “Living for tonite”, “Wrong is right” o “To high to
get it right”.
En definitiva, podía haber elegido alguna de sus dos anteriores obras, “Restless and wild” les puso en el mapa y “Balls to the wall” les presentó mundialmente, pero para el que esto suscribe, un humilde servidor de todos ustedes, éste es sin duda su disco favorito de la banda.
Antes de finalizar quisiera hacer una pequeña referencia a la icónica portada. Seguramente la portada más efectiva en el mundo del metal. Aunque el concepto original de la misma era un holograma en forma de corazón metálico, la banda tuvo que desechar dicha opción por su elevado coste, pero al menos mantuvo la idea de un corazón metálico en la portada, algo que muchos de nosotros hubiéramos matado en aquel entonces por tener.
Escuchando a día de hoy el disco podría asegurar que Judas Priest tomó buena nota de él. Aunque Accept ya había taloneado al grupo en su gira de 1981, si no recuerdo mal, está claro que “Turbo”, el disco de los ingleses editado en 1986 había bebido bastante de las composiciones de los alemanes. Sin olvidarnos del vestuario que la banda lució en el video de “Midnight mover”.
Line up:
Udo Dirkschneider – voz
Wolf Hoffmann – guitarra, sitar y coros
Jorg Fischer – guitarra y coros
Peter Baltes – bajo, teclados y coros
Stefan Kaufmann – batería
Track list:
01. Metal Heart
02. Midnight mover
03. Up to the limit
04. Wrong is right
05. Screaming for a love-bite
06. Too high to get it right
07. Dogs on leads
08. Teach us to survive
09. Living for tonite
10. Bound to fail
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